1159./ DE LA POUSSIERE & À LA LUMIERE : Le blues, révolution poétique, culturelle et humaine, essai de Christian-Edziré Déquesnes . - Illustrations musicales : 'Good God Almighty (1933) par Lightning Washington and Prisoners, 'Crazy Blues' (1920) de Mamie Smith, A Cappela Traditional Irish songs in Galway, 'Fied Holler' par Rossevelt 'Giant' Hudson & 'When the Levee Breaks' (1929) de Kansas Joe McCoy (chant) & Memphis Minnie (guitare).

- LE BLUES - une révolution atypique : On peut soutenir que le blues est une révolution, voire plusieurs révolutions à la fois, mais certainement pas au sens d'une révolution politique classique. Né discrètement à la fin du XIXᵉ siècle dans les communautés afro-américaines du Sud des États-Unis, il allait devenir l'une des transformations culturelles les plus profondes et les plus atypiques du XXᵉ siècle. Sa première révolution est celle de l'expression individuelle. Contrairement à de nombreuses formes musicales traditionnelles ou religieuses où la parole est collective, le blues fait entrer le « je » au premier plan. Le chanteur raconte sa vie, ses peines, ses désirs, ses échecs, ses voyages et ses rêves. Une expérience intime devient une matière artistique. La deuxième révolution est culturelle. Le blues donne une voix à une population issue de l'esclavage, confrontée à la ségrégation et largement exclue des lieux de pouvoir. Sans programme politique explicite, il affirme la valeur d'une parole longtemps réduite au silence. La troisième révolution est musicale. Les « blue notes* », l'importance du rythme, l'improvisation, le dialogue entre voix et instrument, l'expressivité du chant et certaines formes harmoniques allaient influencer une grande partie des musiques populaires du XXᵉ siècle. Sans le blues, il est difficile d'imaginer l'émergence du jazz, du rhythm and blues, du rock'n'roll, de la soul, du funk, du rap ou même d'une grande partie de la pop contemporaine. Enfin, le blues constitue une révolution sociale. Dans une société ségrégationniste, le simple fait pour un Afro-Américain de raconter sa vérité et son expérience du monde est déjà une forme de résistance. Comme l'a montré le critique et historien du blues Paul Oliver, le blues est bien davantage qu'un genre musical, il est une manière de témoigner de l'existence humaine. Le blues n'a jamais pris le pouvoir. Pourtant, il a changé durablement la manière dont des millions de personnes racontent leur vie et écoutent celle des autres. C'est sans doute l'une des rares révolutions de l'histoire menée avec des voix, des guitares et quelques accords.

- UNE NAISSANCE PROGRESSIVE : La naissance du blues ne peut être datée avec précision. Comme beaucoup de traditions populaires, il s'est développé oralement avant d'être fixé sur partition ou enregistré. Ses racines plongent dans les chants de travail, les field hollers, les spirituals et diverses traditions musicales africaines. Entre 1880 et 1900 apparaissent progressivement des formes reconnaissables de blues, avec leurs thèmes caractéristiques : l'amour, la solitude, la route, la pauvreté, la liberté et le destin. Lorsque W. C. Handy raconte avoir entendu un guitariste inconnu jouer dans la gare de Tutwiler, au Mississippi, en 1903, son témoignage est souvent considéré comme l'une des premières descriptions contemporaines du blues. Les premières partitions portant le mot « blues » apparaissent ensuite en 1912. Puis viennent les premiers enregistrements discographiques. Si les spécialistes débattent encore de la place exacte de certains disques pionniers**, beaucoup considèrent que Crazy Blues de Mamie Smith, enregistré en 1920, marque véritablement l'entrée du blues dans l'histoire de l'industrie du disque.

- UNE REVOLUTION POETIQUE - Mais le blues est peut-être avant tout une révolution poétique car avant même d'être une musique, il invente une nouvelle manière de dire le monde. Il rompt avec les formes savantes et avec le langage religieux hérité des spirituals pour faire entrer dans l'art la parole quotidienne des gens ordinaires. Ses innovations sont considérables. Il place l'expérience personnelle au centre du récit. Il transforme le langage parlé en langage poétique. Il fait de la répétition une forme esthétique. Il associe humour, ironie, tragédie et réalisme dans des images, métaphores, souvent saisissantes. Il célèbre les marginaux, les travailleurs, les voyageurs, les femmes indépendantes, les anonymes, les exclus et tous ceux que la littérature officielle ignore généralement.; Le blues est donc une révolution poétique car il fait entrer dans la littérature orale la voix de ceux qui en étaient exclus, certains même en deviennent les acteurs véritables. Il démontre que la poésie ne peut pas seulement naître des livres, mais aussi d'une guitare, d'une route poussiéreuse et de la vie quotidienne. Le blues affirme ainsi qu'une phrase simple comme : « I woke up this morning... / Ce matin, je me suis réveillé... » peut devenir de la poésie dès lors qu'elle porte une émotion, une expérience ou une vision du monde. Cette révolution influencera ensuite de nombreux écrivains comme Langston Hughes, Richard Wright, Jack Kerouac, Charles Bukowski... mais aussi les plus grands auteurs-compositeurs de l'histoire du blues et du rock, notamment Bob Dylan (prix Nobel de littérature) ou Lou Reed. Avec le blues, la poésie quitte les salons et les bibliothèques pour s'asseoir sur le perron des maisons, dans les rues, au bord des voies ferrées, dans les juke-joints*** ou sur les routes poussiéreuses du Sud américain. L'une des plus grandes révolutions du blues est peut-être d'avoir affirmé que la parole des humbles pouvait devenir œuvre d'art.

- ENTRE AFRIQUE ET OCCIDENT : Dire que le blues n'a rien d'occidental serait excessif ; ses racines les plus profondes sont africaines, importance du rythme, principe d'appel-réponse (call and response), expressivité vocale, mobilité des hauteurs de notes et place accordée à l'interprétation personnelle. Mais le blues ne peut être réduit à une survivance africaine. Il est le produit d'un métissage complexe. Il emprunte également aux hymnes protestants, au gospel, aux instruments européens comme la guitare et à certaines structures harmoniques occidentales. Le blues est donc avant tout une création afro-américaine. Il n'est ni totalement africain ni totalement occidental. Il représente la rencontre de plusieurs héritages dans des conditions historiques souvent tragiques. Comme l'a soutenu LeRoi Jones, devenu Amiri Baraka, le blues exprime une vision du monde spécifique à l'expérience noire américaine, il exprime cette capacité à transformer la souffrance, le désir, l'exil et la survie en création artistique. Il introduit également une idée nouvelle dans la culture occidentale moderne, celle que la blessure peut être une source de beauté. Le blues ne cherche pas à vaincre la douleur. Il cherche à la faire chanter.

- LE BLUES ET LA MELANCOLIE IRLANDAISE : À première vue, le blues du Mississippi et la tradition irlandaise semblent appartenir à des univers sans rapport. Pourtant, plusieurs ressemblances méritent d'être soulignées. Les deux traditions sont des musiques populaires profondément enracinées dans l'expérience quotidienne. Elles parlent de travail, d'amour, de pauvreté, d'exil et de perte. Elles accordent une grande importance à l'interprétation personnelle et à la transmission orale. Elles privilégient l'émotion plutôt que la démonstration technique. La mélancolie y occupe une place centrale, même si elle s'exprime différemment. Le blues parle souvent d'une souffrance vécue dans le présent alors que la ballade irlandaise évoque plus volontiers la mémoire d'un monde perdu, d'une terre abandonnée ou d'un être absent. On pourrait résumer cette différence ainsi : Le blues signifie : « J'ai mal, mais je continue à avancer. », la ballade irlandaise chante : « J'ai perdu quelque chose, mais je m'en souviens encore. » Il existe donc des résonances profondes entre ces traditions, sans qu'il soit nécessaire d'y voir une filiation directe.

- DE LA TRISTESSE AU BLUES : Les expressions anglaises 'to feel blue', 'I'm blue signifient depuis longtemps être triste ou mélancolique. Le mot blues dérive lui-même de l'ancienne expression 'blue devils', qui désignait la mélancolie et les idées noires. Lorsque les musiciens afro-américains parlaient de leurs blues, ils évoquaient à la fois leurs peines, leurs difficultés, leurs amours perdues et leur manière de transformer ces expériences en musique. Il existe parfois le récit, incertain, selon lesquels certains émigrés britanniques ou irlandais auraient exprimé leur nostalgie du pays natal en utilisant l'expression 'I'm blue'. Ce récit demeure difficile à vérifier historiquement. Il doit être considéré comme une hypothèse culturelle plutôt que comme un fait établi. Ce qui est certain, en revanche, c'est que les thèmes de l'exil, de l'absence et de la perte sont communs aux chants d'émigration britanniques et au blues afro-américain. Il y a là une parenté émotionnelle réelle, même lorsqu'aucune relation historique directe ne peut être démontrée.

- CONCLUSION : Le blues est sans doute l'une des rares révolutions de l'histoire à n'avoir été menée ni par des armées, ni par des partis, ni par des gouvernements. Sa force ne réside pas dans la conquête du pouvoir mais dans la conquête de la parole, il est né de l'expérience afro-américaine, de l'héritage africain, du monde rural du Sud des États-Unis et de multiples rencontres culturelles, le blues a inventé une manière nouvelle de raconter l'existence humaine. Il a démontré que la souffrance pouvait devenir chant, que l'exil pouvait devenir mémoire, que la solitude pouvait devenir poésie. Le blues, en donnant une voix à ceux qui en étaient privés, a transformé durablement la musique mondiale, mais aussi notre manière d'écouter les récits ordinaires. Derrière ses trois accords, ses « blue notes* » et ses paroles simples se cache une révolution discrète : celle qui affirme que l'expérience de chacun, même la plus humble, mérite d'être dite et entendue. Si le blues a engendré le jazz, le rhythm and blues, le rock'n'roll, la soul, le funk, le rap et une part considérable de la musique contemporaine, son héritage le plus précieux est peut-être ailleurs. Il a montré que la poésie n'appartient ni aux élites, ni aux bibliothèques. Elle peut naître sur un perron de bois, dans un champ de coton, le long d'une voie ferrée, dans un juke-joint*** ou au bord d'une route poussiéreuse. Le blues nous rappelle enfin qu'une civilisation ne se mesure pas seulement à ses monuments ou à ses puissants, mais aussi à la place qu'elle accorde à la parole de celles et ceux qui n'ont presque rien. De ce point de vue, le blues n'est pas seulement un genre musical : il est une leçon de dignité humaine.

Et si je puis me permettre une dernière remarque littéraire, ce que signifie aussi le blues, c'est que cela tourne constamment autour d'un motif central sans toujours le nommer explicitement, ce motif est celui de la transformation. Transformation de la douleur en chant. Transformation de l'exil en mémoire. Transformation du langage quotidien en poésie. Transformation d'une voix marginalisée en patrimoine universel. Donc Le blues est bien davantage qu'un genre musical, il est une révolution culturelle, poétique et humaine, il a transformé la douleur en chant, l'expérience individuelle en mémoire collective et la parole ordinaire en poésie. Il a influencé la plupart des musiques modernes tout en donnant une dignité nouvelle à des voix que l'histoire avait longtemps ignorées. Sa plus grande victoire n'est peut-être ni musicale ni commerciale. Elle réside dans cette idée simple et universelle que toute vie mérite d'être racontée, et toute souffrance peut devenir une forme de beauté. Le blues est l'art de transformer les blessures en paroles, et les paroles en beauté. - Christian-Edziré Déquesnes.

* La blue note est l'un des éléments les plus caractéristiques du blues. On appelle blue notes certaines notes volontairement chantées ou jouées légèrement en dehors des hauteurs de la gamme occidentale classique. Les plus célèbres sont la tierce mineure entre tierce mineure et tierce majeure, la quinte diminuée (ou quinte altérée), la septième mineure ; mais il faut se méfier des définitions trop théoriques. Une blue note n'est pas simplement une note écrite sur une partition, c'est souvent une note « entre deux notes », glissée, tordue, infléchie par la voix, la guitare, l'harmonica ou un autre instrument. D'une certaine manière, la blue note est une petite révolte contre la rigueur du système tonal européen. Au lieu de choisir entre majeur et mineur, le chanteur ou le musicien habite un espace intermédiaire, ambigu, mouvant ; c'est pourquoi la blue note produit cette impression si particulière, ni joyeuse, ni totalement triste, mais chargée de nostalgie, de tension et d'humanité. L'ethnomusicologie y voit souvent la rencontre entre les systèmes mélodiques africains et les instruments accordés selon les normes européennes. Les musiciens afro-américains ont utilisé des instruments occidentaux tout en conservant une manière de chanter et d'entendre les hauteurs qui ne correspondait pas toujours aux règles classiques. D'un point de vue poétique, on pourrait presque dire, La blue note est une blessure dans la note parfaite ; ou encore, si le blues est l'art de transformer la douleur en beauté, la blue note est l'instant précis où l'on entend cette transformation. Les blue notes constituent peut-être la plus subtile des révolutions du blues. Elles introduisent dans la musique occidentale une zone d'incertitude expressive où la note cesse d'être un point fixe pour devenir une émotion en mouvement.

**1912, c'est les publications des premières partitions contenant le mot « blues », notamment 'Dallas Blues' de Hart Wand (music) et Lloyd Garrett (lyric), 'Memphis Blues', aussi une partition parue en 1912, de W. C. Handy, est enregistré en 1914 par le Victor Military Band, c'est le premier disque avec le terme blues qui était jusqu'à lors jamais paru, dans l'histoire de la musique, certains spécialistes le considèrent comme le tout premier enregistrement de blues, même si son style est plus proche du ragtime et des orchestres de danse, l'année suivante, en 1915, c'est à nouveau la parution de 'Memphis Blues', toujours dans le même style, cette fois chantée par Morton Harvey.

***Forts modestes, voir pauvres bouges, bars populaires du Sud des Etats Unis où se jouaient le blues.

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1158 & 643./pchb 20/ CHAMPION JACK DUPREE : "Bad Blood" & "Strollin''. - Extraits 33 tours "Blues From The Gutter", paru en 1974. - Première diffusion le 18.11.2024 - 31.

William Thomas Dupree alias Champion Jack Dupree (1910-1992) est un pianiste, chanteur de blues et de boogie-woogie originaire de La Nouvelle-Orléans. Son surnom de « Champion » lui vient de sa carrière de boxeur avant qu'il ne se consacre pleinement à la musique. Né à La Nouvelle-Orléans, il grandit dans un orphelinat où il apprend le piano. Dans les années 1930, il mène une carrière de boxeur, avant de revenir au blues. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il sert dans l'US Navy et passe deux ans prisonnier de guerre au Japon. Il devient ensuite l'une des grandes figures du blues pianistique, avec des titres comme« Junker's Blues »,« Walking the Blues » ou encore« F.D.R. Blues ». Son album Blues from the Gutter (1958) est souvent considéré comme son chef-d'œvre. À partir de la fin des années 1950, il s'installe en Europe, où il connaît une grande reconnaissance et joue notamment avec John Mayall, Eric Clapton et Fleetwood Mac. Il meurt à Hanovre (Allemagne) le 21 janvier 1992. Avec son piano est puissant, percussif et très expressifChampion Jack Dupree représente le lien entre le blues traditionnel de La Nouvelle-Orléans, le boogie-woogie et le renouveau du blues en Europe dans les années 1960.- Christian-Edziré Déquesnes.

 

1157 & 641./pchb 19./ SKIP JAMES : "Hard Time Killing Floor Blues" (1931) & "Cypress Grove Blues" (1931).- 33 tours "Jesus Is A Mighty Good Leader", paru sur le label italien Monk, datation inconnue. Première diffusion 10 novembre 2025 - 46.

Skip James (1902-1969) est l'une des figures les plus fascinantes et mystérieuses du Delta blues. Son influence sur l'histoire du blues est immense, bien que sa carrière ait été marquée par de longues périodes d'oubli. Contrairement à la plupart des bluesmen du Delta, Skip James chantait d'une voix haute, presque spectrale, et jouait dans un accordage mineur très particulier (open D mineur), qui confère à sa musique une atmosphère sombre et hypnotique. Ses interprétations de« Devil Got My Woman »,« Hard Time Killing Floor Blues » ou « Cypress Grove Blues » comptent parmi les sommets du blues enregistré. En février 1931, il enregistre pour Paramount Records une série de morceaux devenus mythiques, dont« Devil Got My Woman »,« I'm So Glad » et« Hard Time Killing Floor Blues ». Malheureusement, la Grande Dépression réduit fortement les ventes de disques, et ces enregistrements passent presque inaperçus à l'époque. Découragé, Skip James abandonne progressivement la carrière musicale et devient notamment prédicateur baptiste. Pendant plus de trente ans, il disparaît pratiquement de la scène blues. Comme Son House, il est retrouvé en 1964 par de jeunes passionnés de blues, parmi lesquels John Fahey, alors qu'il se trouve dans un hôpital du Mississippi. Cette redécouverte constitue un événement majeur du Blues Revival américain. Skip James participe alors au Newport Folk Festival et enregistre plusieurs nouveaux albums pour Vanguard Records. Une nouvelle génération découvre son art, notamment en Grande-Bretagne où son influence sera considérable. Skip James meurt le 3 octobre 1969 à Philadelphie, à l'âge de 67 ans. Il souffrait d'un cancer. Les droits d'auteur générés par la reprise de « I'm So Glad » par le groupe Cream contribuèrent notamment à financer ses soins médicaux. Skip James est l'inquiétude métaphysique du Delta, son blues semble hanté par la solitude, le destin et la mort . - Christian-Edziré Déquesnes.

 

1156 & 637 / pchb 18./HOUND DOG TAYLOR & The HouseRockers : "Let's Get Funky". - Extrait de l'album "Beware of the Dog !". - 33 tours paru en 1976. - Première publication le 14 novembre 2024 - 35.

Theodore Roosevelt Taylor alias Hound Dog Taylor est l'une des figures les plus singulières du blues de Chicago. Né à Natchez (Mississippi) le 12 avril 1915 ou 1917 selon les sources, il s'installe à Chicago en 1942 et développe un style de guitare slide électrique brut, énergique et immédiatement reconnaissable. Il était atteint de polydactylie, avec six doigts à chaque main. Hound Dog Taylor commence par jouer du piano avant de se consacrer à la guitare vers l'âge de vingt ans. Il travaille comme métayer et joue dans les juke-joints du Delta, où il développe un goût pour un blues direct, dansant et rugueux. Son principal modèle est Elmore James, dont il reprend l'usage de la slide guitar électrique tout en le poussant vers un son encore plus sauvage. Comme beaucoup d'Afro-Américains du Sud pendant la Grande Migration, il quitte le Mississippi pour Chicago en 1942. Il est rapporté qu'il a subi des intimidations racistes, notamment un épisode impliquant le Ku Klux Klan. À Chicago, il s'installe dans le South Side et fréquente les lieux où naît le Chicago Blues moderne. Toutefois, contrairement à Muddy Waters ou Howlin' Wolf, il n'accède pas immédiatement aux grands labels. Pendant les années 1940 et 1950, il joue régulièrement sur Maxwell Street, célèbre marché à ciel ouvert où les musiciens rivalisent pour attirer l'attention des passants. Il partage cet environnement avec des figures majeures comme Muddy Waters et Robert Nighthawk. Cette période est fondamentale pour comprendre son style, il doit jouer fort, vite et de façon spectaculaire pour couvrir le bruit de la rue et retenir le public. Son blues devient ainsi extrêmement physique et festif. Cette énergie restera sa marque de fabrique toute sa vie. À partir de la fin des années 1950, il devient musicien professionnel à plein temps, mais il reste essentiellement une célébrité locale. Il anime les bars populaires du South Side et de l'Ouest de Chicago, notamment Florence's Lounge, qui deviendra son principal quartier général. Les témoins de l'époque décrivent un musicien capable de transformer un petit bar de quartier en véritable fête populaire. Il recherchait davantage l'impact immédiat que la perfection technique. Son jeu était parfois approximatif, mais débordait d'énergie ; il enregistre quelques singles : « Christine » / « Alley Music » pour Firma Records, « Take Five » / « My Baby's Coming Home » pour Bea et Baby Records. Ces disques circulent surtout dans les quartiers noirs de Chicago et ne rencontrent pas de succès national. Une session enregistrée pour Chess Records ne sera d'ailleurs publiée que bien plus tard. Dans les années 1960, il forme le trio qui l'accompagnera jusqu'à sa mort : les HouseRockers, avec Brewer Phillips à la seconde guitare et Ted Harvey à la batterie. Particularité rare, pas de bassiste. Les deux guitares et la batterie créent un son extrêmement dense et percutant. Cette formule annonce certains aspects du blues-rock et du garage-rock à venir. Des musiciens plus jeunes seront fortement marqués par cette approche. Hound Dog Taylor participe en 1967 à l'American Folk Blues Festival en Europe, où il joue notamment aux côtés de Little Walter et de Koko Taylor. Pourtant, il demeure encore essentiellement considéré comme un accompagnateur ou une curiosité locale. Puis survient un événement décisif, en 1970, un jeune passionné de blues nommé Bruce Iglauer le découvre à Florence's Lounge ; fasciné, il décide de créer son propre label, Alligator Records, spécialement pour enregistrer Hound Dog Taylor et les HouseRockers. C'est le début de la célébrité, alors que le guitariste a déjà plus de cinquante ans. Ce qui frappe dans cette trajectoire, c'est que durant près de trente ans, Hound Dog Taylor fut davantage une légende des bars de Chicago qu'un artiste discographique. Sa renommée reposait avant tout sur ses prestations scéniques, ce qui explique pourquoi ses premiers albums des années 1970 donnent souvent l'impression d'assister directement à un concert dans un club enfumé du South Side. Son blues électrique et urbain est toujouts primitif, féroce, festif et authentique, très éloigné des productions sophistiquées. Son influence se retrouve chez des musiciens comme George Thorogood. Hound Dog Taylor représente l'une des émergence les plus fascinante à l'énergie brute dans l'école du Chicago blues électrique. La mort de Hound Dog Taylor survient le 17 décembre 1975 à Chicago, à l'âge de 58 ou 60 ans selon les divergences concernant son année de naissance (1915 ou 1917). Il meurt des suites d'un cancer du poumon. Son troisième album, 'Beware of the Dog!', enregistré en concert en 1974, est publié après sa mort. Hound Dog Taylor a donc passé près de trente ans à jouer dans l'anonymat relatif avant de connaître le succès durant les quatre ou cinq dernières années de sa vie. Pourtant, l'influence de son jeu de slide brut et incendiaire reste aujourd'hui considérable pour de nombreux guitaristes de blues-rock.-Christian-Edziré Déquesnes.

1155 & 635/pchb 17./ IDA COX : "Lawdy lawdy Blues" (1923), "Misery Blues" (1924) & "Coffin Blues" (1925).- Extraits du 33 tours "Archive Of Jazz-Volume 23 - IDA COX Misery Blues - Coffin Blues", paru en 1969. - Première diffusion le 13.11.2024 - 21.

Ida Prather alias Ida Cox, Ida Cox (née Ida Prather), aussi surnommée « The Uncrowned Queen of the Blues » (« la reine sans couronne du blues »), fut l'une des grandes chanteuses de blues classique américain des années 1920, elle est considérée comme l'une des figures majeures aux côtés de Ma Rainey et Bessie Smith. Elle est née en Géorgie, les sources divergent sur l'année exacte : 1888 ou 1896, elle est active dans les spectacles de minstrel et le vaudeville avant de devenir une vedette du blues ; elle enregistre pour Paramount Records à partir de 1923 et connaît un important succès durant les années 1920. Elle compose une grande partie de son propre répertoire, ce qui était relativement rare à l'époque pour une chanteuse de blues. Sa carrière est relancée en 1939 grâce au producteur John Hammond lors des concerts From Spirituals to Swing au Carnegie Hall.Elle réalise un ultime enregistrement marquant en 1961 avec le quintette de Coleman Hawkins, l'album Blues for Rampart Street. Elle meurt à Knoxville (Tennessee) le 10 novembre 1967. Ses chansons témoignent de son indépendance d'esprit, de son humour et de sa capacité à évoquer la condition des femmes noires américaines avec franchise et détermination. Ida Cox est particulièrement intéressante car elle représente le passage entre le blues rural des débuts et le blues urbain sophistiqué des années 1920.- Christian-Edziré Déquesnes.

 

1154 & 634/pchb 16./ ROBERT BELFOUR (1940-2015) : "What's Wrong With You".- 33 tours paru, en 2000, sur le label Fat Possum.- Première diffusion le 11.11.2024 - 33.

Robert Belfour alias Wolfman est né le 11 septembre 1940 à Red Banks (Mississippi) et décédé le 24 février 2015 à Memphis (Tennessee), il est était un guitariste, chanteur et auteur-compositeur de blues américain, considéré comme l'une des grandes figures du North Mississippi Hill Country Blues. Son style se distingue par un jeu de guitare très rythmique et percussif, l'utilisation d'accordages ouverts alternatifs, des structures souvent hypnotiques et répétitives, caractéristiques du Hill Country Blues plutôt que du Delta Blues. Il a été influencé par des musiciens tels qu'Otha Turner, R. L. Burnside et surtout Junior Kimbrough, il a longtemps travaillé dans le bâtiment à Memphis avant d'être reconnu sur la scène blues à partir des années 1980, notamment sur Beale Street. Sa carrière discographique fut relativement tardive. Ses principaux albums sont : What's Wrong With You (2000), Pushin' My Luck (2003) et Wolfman - Live at Blues Rules (2013). Robert Belfour est particulièrement intéressant car il représente l'une des dernières expressions authentiques du Hill Country Blues du Mississippi, aux côtés de Junior Kimbrough et R. L. Burnside. - Christian-Edziré Déquesnes.

 

1153 & 903./pchb 15./ TOM WAITS : "The Soul of a Man" & "John the Revelator" - Extraits du 33 tours 'God don't never change -The Songs of Blind Willie Johnsons', parus en 2016.- Première diffusion le 24.08.2025 - 30.